Arte y devastación

La historia de la humanidad no ha estado exenta de virus y enfermedades que azotan a toda la población. Los virus provocan miedo, desconcierto y crisis de diversas índoles.

La hambruna y desesperanza de aquellas épocas quedaron en recuerdos transmitidos de generación en generación, pero ha sido el arte quien ha documentado estas catástrofes, las cuales fueron nombras en la antigüedad como pestes trayendo a su paso la devastación de la población europea. 

Un dato curioso es que aún en nuestros tiempos se desconoce qué agente infeccioso causó este tipo de enfermedades infecciosas, se ha dicho que la transmitieron los moscos e incluso los monos. 

Las artes plásticas han servido para expresar sentimientos, caos y emociones, reflejando el contexto social de una época, por su parte los artistas a lo largo de la historia han centrado su atención en las diferentes enfermedades, tal es el caso de la lepra, temida y juzgada por los pobladores quienes mencionaban que la lepra era un castigo divino. 

Los enfermos eran aislados e incluso se les obligaba a caminar con una sonaja para anunciar su paso por las calles.  En esta imagen realizada en la época medieval se puede ver dos leprosos uno con su sonaja y otro en muletas, quizás soñando que podrían caminar sin ser apedreados. 

Otro cuadro que impactó en la época y reflejo el paso de la pandemia fue “El triunfo de la Muerte” realizado en 1562 por el artista Pieter Brueghel “El viejo”.  Se puede interpretar como una visión alegórica de las epidemias. El paisaje esta inspirado en una pasaje bliblico del Apocalipsis. La muerte no respeta a nadie, un rey como se puede observa es contagiado por la abominable enfermedad.

También durante los azotes de enfermedades surgieron personajes aterradores,quienes se convirtieron indispensables y gozaron de privilegios una vez que pasaba la peste, uno de ellos fue el médico de la peste. Lucían una máscara en forma de pico la cual les hacia ver como si tuvieran la cara de un pájaro, se sumaba al traje una capa larga, guantes y un bastón. 

Los pacientes quedaban atemorizados de verle y saber que él decidía sobre su salud.  El atuendo resaltaba por la impresionante máscara la cual tenía dos hoyos para poder respirar. El pico por dentro tenía diversas plantas aromaticas, tales como menta, clabo de olor y mirra  para protegerse del mal aire que generaba la gente enfermedad. 

Sin duda, a lo largo de la historia las pademias siguen causando terror, muerte y desvastanción, pero sobre todo, la intriga de los cambios sociales que sin duda traeran. 

^{Principales pandemias en la historia} 

Nombre	Fecha	Bacterias, virus o enfermedad que la causó	Motivo
Peste Antonina	165-18 d.c.,	Se cree que fue viruela o sarampión.	Se le atribuyó a las tropas que regresaban del  Del Cercano Oriente.
Peste negra  Fue la más devastadora en la historia de la humanidad	1347-1351	Bacterias Yersinia pestis/Ratas, pulgas.	Se acusó a los judíos como los causantes de la epidemia, por medio de envenenamiento de pozos de agua.
Brote de viruela	1500 en delante	Virus Varioa major	En la India se cree que fue por la bendición de la diosa Shitalá (la Fría). Los creyentes la visitaban y propogaban el virus.
Peste italiana	1629-1631	Bacterias Yersinia pestis / Ratas, pulgas	Tiene sus referentes en la peste bubónica que asotó  el centro y norte de Italia. Alemanes y franceses llevaron la peste a la ciudad de Mantua.
Fiebre amarilla	1800 finales	Virus/mosquitos	Se le conoció también como vómito negro. Se dice que se transmite  por los mosquitos. En América llegó por el comercio de esclavos africanos.
Grip de Hong Kong	1968-1970	Virus H3N2	Fue la tercera pandemia de gripe del siglo XX. Su origen se situó en China.
Gripe porcina	2009-2010	Virus H1N1 / Cerdos	Se dice que el contagio se da por medio de aves y cerdos.
COVID-19	2019-2020	Corona virus	Origen China.

Presentan performance con raíces milenarias de la India, en el Museo Regional de Guadalajara

Teatro sánscrito

Dentro del marco de actividades de la pasada Feria Internacional del Libro (FIL), el Museo Regional de Guadalajara fue sede de un evento de teatro sánscrito, el cual impresionó a sus asistentes. 

La presentación fue Kutiyattam que significa “actuar juntos”, y representa una de las tradiciones teatrales más antiguas de la India.
Esta representación está escrita en lengua sánscrita, la cual ha sido la lengua de la religión, la filosofía y la cultura de la India por más de dos mil años y ha servido como elemento para establecer la unidad del país. 

La obra es reconocida oficialmente por la Organización de las Naciones Unidades para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), como una obra maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.
El auditorio del museo tuvo lleno total. En el escenario aparecieron los músicos de la India, resaltando el sonido de un tambor al cual nombran chenda, y una mujer armonizaba con una campana. 

El intérprete, un personaje desconocido para la cultura occidental, deslumbró con un laborioso maquillaje en color verde. Él realizó un extraordinario trabajo de lenguaje teatral atrapando a los asistentes con la expresión de sus ojos y gestos, contando a través de los movimientos de su cuerpo una historia milenaria. Además, llamó la atención por lo colorido del vestuario y exuberante bisutería en color dorado. Esta figura misteriosa y llena de emociones, en un momento de la interpretación, luchó con demonios comunicando pensamientos, emociones y sentimientos.

Se sabe que, para realizar este papel, los actores se someten a una rigurosa formación de entre 10 a 15 años para lograr dominar sutilmente los movimientos de la cara y el cuerpo.
El evento contó con la presencia del embajador de la India Shri manpreet Vohra.

PARA SABER…
-El sánscrito es tradicional de Kerala, India. Además una de las lenguas indoeuropeas más antiguas y documentadas después del hitita y el griego micénico. Literalmente quiere decir ‘perfectamente hecho’: sam: ‘completamente’; kritá: ‘hecho.
-La mayoría de los textos sánscritos conservados hasta la actualidad fueron transmitidos oralmente (con métrica y ritmo mnemotécnicos) durante varios siglos, hasta que fueron escritos en la India medieval.
-Las funciones van a compañadas de música en vivo, el instrumento principal es un chenda, un tambor con forma de cilindro.
-En la interpretación del personaje milenario participó el Dr. Kalamandalam Kanakakumar.

María Izquierdo contra la mercadotecnia de Frida Kahlo

María Izquierdo "Autorretrato", óleo sobre tela. 1940

La obra de María Izquierdo se caracteriza por plasmar la vida rural y costumbres, representando lo que para Izquierdo era la mexicanidad y las ideas de la sociedad de aquella época.

Izquierdo (1902) nació en el municipio de San Juan de los Lagos, Jalisco. Fue la primera mujer mexicana en participar en una exposición en el Museo de Arte Moderno en la ciudad de Nueva York. La exposición constó de 14 óleos, en los cuales se incluían retratos y paisajes, incluso el pintor Diego Rivera definió a María Izquierdo como una de los mejores integrantes de la academia mexicana, catalogándola con verdadero valor artístico y concreto.

Fue contemporánea de la famosa pintora Frida Kahlo, ambas plasmaron en sus lienzos sandías y las vestimentas típicas mexicanas.

En el año de 1945 se le propuso la ejecución de un mural de 200 metros cuadrados dentro del edificio que alberga al gobierno de la Ciudad de México, el cual no pudo llevar acabo debido a diversos comentarios en su contra, sobre todo de Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros quienes se opusieron a que realizara la encomienda.

A su muerte en 1955 su obra y trayectoria quedó totalmente olvidada.

A pesar de haber resaltado en la época por sus trazos, temas y el color de su paleta, su obra no consiguió transcender, sus paisajes y retratos no entran en el círculo de la Fridamanía, su vida no fue tan trágica como la de Kahlo, llena de enfermedades, infidelidades y embarazos no logrados, sucesos que la mercadotecnia tomó para lanzar a Frida como un suvenir o peor aún como un tazo dentro de unas papas fritas. En cambio la obra de María Izquierdo se visualiza fiel a su interpretación de sí misma y estilo propio.

Su obra se puede visitar en el Museo de las Artes (Musa), la cual está dividida en tres ejes temáticos: “Los retratos y autorretratos”, “La vida cotidiana” y “La vida en la intimidad”. Y estará expuesta hasta el 6 de mayo.  

Árbol adentro

                                                              Foto: Ada Lorena 

Pese a las críticas que se han suscitado al programa Arte Urbano del Ayuntamiento de Guadalajara, sobre todo por el costo de adquisición, algunas esculturas han llamado la atención de los tapatíos.

“Árbol adentro” tuvo un costo de 4.5 Millones de pesos, es autoría del cantante y también artista plástico José Fors, desde que se instaló sobre el paseo Fray Antonio Alcalde, la escultura ha resultado muy llamativa para los paseantes del Centro Histórico de la Ciudad, y no hay quien no se tome una fotografía con la familia o una selfie. Esta polémica figura se encuentra ubicada en la Avenida Alcalde casi esquina con Independencia.

El arte público es indispensable para el desarrollo de las artes en el mundo. En la ciudad de Florencia, Italia, las esculturas y fuentes que se encuentran en la vía pública constituyen un atractivo turístico e histórico, motivado en la época del Renacimiento por la dinastía Médici.

Sin duda, es indispensable para el desarrollo de las artes en el mundo y se ha aplicado en diferentes épocas, se ha convertido en una lucha entre los museos, galerías, salones privados y, además, al arte público se le ha caracterizado por tener fuerza política, ya que al estar destinado al espacio público se convierte en una práctica política.

El arte público también tiene que ver con la estética, aquí surge irremediablemente la pregunta: ¿quién le pone precio al arte público?

Según el crítico de arte Robert Hughes, el mercado del arte es como las drogas, no hay reglas. El arte es el único mercado que tiene un estatus especial: un valor simbólico y un valor de mercado.

¿Qué valor simbólico justifica el precio? El artista, el Ayuntamiento o un comité de críticos de arte, que realicen una selección de artistas locales por medio de una convocatoria abierta para quienes quieran participar; a fin de cuentas, son recursos públicos los cuales se deben justificar.

A pesar de las polémicas que suscite el arte público, una ciudad no puede concebirse sin este.

Louis Vuitton: Glamur sin creatividad

La imagen de una de las obras de Turner en manos del conejito de Jeff Koons. Foto: Ada Lorena

Copias y sin creatividad, así son las bolsas de la nueva colección nombrada “Masters” de la conocida y glamurosa marca francesa Louis Vuitton, lanzada en colaboración con Jeff Koons.

Hace algunas semanas salieron a la luz de la moda internacional ocho modelos de bolsas de la mencionada casa francesa, las cuales se caracterizan por plasmar la imagen de la obra de grandes maestros, etiquetadas con la forma del controversial conejo inflable de Koons, además del clásico monograma LV.

Las obras artísticas que incorporaron en las bolsas son las siguientes: Van Gogh, Rubens, Claude Monet, Paul Gauguin, Jean-Honoré Fragonard, William Turner, François Bouchery Leonardo Da Vinci con su obra maestra “La Mona Lisa”.

                                                           Foto: Ada Lorena 

La poca creatividad en el diseño es obvio. Las imágenes que utilizan de los grandes maestros en el arte son imágenes de dominio público que carecen de derechos de autor, una obra es de dominio público cuando su creador cumple 70 años de fallecido. Los precios de estos bolsos varían entre los 66 mil y 75 mil pesos.

¿Cuál es la propuesta de diseño en estos bolsos glamurosos? La obra que tomaron de Vincent Van Gogh (1853-1890) es “Campo de trigo con cipreses”, realizada antes de ser internado en el hospital psiquiátrico de Saint-Paul de Mausole, la cual incluso aparece modificada de la original en la superficie para que luciera mejor en el diseño de la bolsa. ¿Qué diría Van Gogh al ver su obra de cipreses en un bolso a esos precios exorbitados? En vida solo vendió algunos cuadros y su obra fue conocida después de su muerte.

Este tipo de diseños son un ejemplo del mal arte contemporáneo, del reciclaje, del plagio, y de la poca creatividad para lucrar a partir del trabajo de otros, además qué decir de los materiales de origen animal con los que se fabrican estos bolsos.

Así es que si desea adquirir uno de estos bolsos para coleccionar arte ya se encuentran a la venta en Plaza Andares.

Facebook: Ada Lorena Periodista

Avelina Lésper, la verdad incómoda sobre el arte contemporáneo

Avelina Lésper, crítica de arte.

Argumentos y críticas sólidas hacia el arte contemporáneo caracterizan el trabajo de Avelina Lésper, escritora y crítica de arte fundamentada. Odiada, temida y admirada, Lésper es dura y directa cuando analiza un cuadro, mucho menos hace reseñas de obras para quedar bien. Sus escritos críticos se han hecho virales. Su temple impone en entrevista, nos comenta sus reflexiones sobre el arte de hoy en día.

El primer acercamiento que tuvo en el mundo del arte fue desde niña en un museo donde observó obras que la cautivaron; le pareció un misterio que alguien tuviera necesidad de pintar y dedicarse exclusivamente a eso, lo cual la hizo investigar constantemente y ser una observadora: “me di cuenta que podía ser tu vida y literalmente trabajar, y también dedicarme a la investigación no de hacer arte, sino, a la investigación de cómo se hace el arte”. 

Avelina Lésper se inició en el arte de la misma manera que todos, el arte tiene una narración infinita, tiene la edad de la humanidad y su ventaja, es que está iniciado antes de que te involucres: “la especie humana se inició en la belleza por admiración hacia algo. Nosotros como un ente inteligente, parte de nuestro mecanismo de inteligencia, es que sabemos reconocer la belleza en distintos grados y sabemos necesitarla, por eso desde el principio las religiones estaban ligadas a la naturaleza porque la admirábamos. Ese mismo proceso es el que me inició a mí en el arte, pero incita a cualquier individuo”.

Es poca la crítica de arte en México ¿Por qué?: “por cobardes, porque nadie se quiere meter en problemas y todo el mundo quiere estar enganchado en las instituciones y quedar bien”. Antes de los textos de Avelina Lésper la mayoría del arte contemporáneo que se producía en México se consideraba como tal, incluso la caja de zapatos de Orozco, pero llegó para poner reflexión y análisis.

Para Lésper, la crítica es un análisis de la obra, el espíritu crítico es innato a la admiración: “es una tontería pensar que si tú admiras no tienes capacidad de crítica, justamente la capacidad de admirar algo te hace crítico con lo que no admiras, con lo que no te despierta esa inquietud, que no te cautiva. Fue cuando comencé a racionalizar y dije: `bueno por qué una cosa sí tiene la capacidad de seducirte y de poseerte y de quedarse en tu memoria y hay cosas que no solamente logran eso, sino que te causan, no un malestar, sino una decepción constante, dices por qué esto tiene que llevar el nombre de arte´”.

En los museos encontramos arte VIP, (instalación, video y performance) la responsabilidad de los museos ¿en qué deberían de enfocarse si estos son generadores de público? A lo que Lésper rebatió sin dudarlo, “el museo no es generador de público, el museo es un receptor de público, el generador de público es la obra”, además, mencionó también que la responsabilidad del museo es darle al público todas las opciones y es una cosa que no están haciendo ya que todos los museos están hablando de que debe haber diversidad y que a decir de ella, es una palabra que resuelve problemas pero no quieren solucionar, solo los categorizan.

“Un museo catalogado como contemporáneo no exhibe obra pictórica mucho menos litografía sobre piedra o grabado. Deberían de ofrecerle al público todas las otras manifestaciones de las artes plásticas que ya casi no tienen espacio”, aseguró Lésper.

El arte contemporáneo ha traído consigo exageraciones, haciendo estragos en la memoria del tapatío Luis Barragán (1902-1988), uno de los arquitectos más importantes del siglo XX. Sus cenizas forman parte del anillo con diamante creado por Jill Magid: “fue una gran tomadura de pelo, eso se pudo hacer gracias a la ignorancia de un montón de gente, esa mujer es una vividora, ese servicio lo dan las funerarias de Estados Unidos, especialmente las de Las Vegas, y que desde hace mucho tiempo hacen anillos, dijes y literalmente llaveros con todo, lo único que espero es que no lo lleven al Monte de Piedad y lo empeñen porque es lo único que falta.

“Es parte de la gran ignorancia justamente de las instituciones que por querer estar a la moda y por querer decir somos trending topic, `nosotros apoyamos lo último de lo último´, debemos de hacer un análisis en qué fraude estamos incurriendo y obviamente la familia de Barragán -que lo permitió- se puso de acuerdo con el congreso local, y todo mundo cayó en la misma trampa, y que en un engaño de esa naturaleza, fue permitido por la complacencia y la deliberada ignorancia”.

¿Las academias son responsables del arte VIP? Obviamente, por ejemplo, con el anillo de Barragán. El Museo de Arte de Zapopan estuvo ahí detrás, su directora lo impulsó, ahí están las instituciones, todo mundo cómplice de ese engaño. Los jóvenes en vez de recibir clases de dibujo, les están dando clases de disque instalación, de performance que es absurdo, no les dan la disciplina que tienen los estudiantes de teatro y danza, pero ellos son performance porque van a y hacen en el examen final cometiendo el ridículo de desvestirse”. La crítica de arte menciona que es más importante tener una educación profunda como lo es el dibujo y en las técnicas pictóricas. Los estudiantes aprenden un estilo: `Estoy estudiando pintura impresionista` ¿cómo qué vas a salir de pintor impresionista? Es un estilo, cómo te vas a dar una carrera en aprender un estilo, eso dimensiona las aberraciones que están cometiendo en aras de la moda y el establishment.

Entonces, ¿hemos llegado al final del arte?: “No, nunca, jamás, las crisis no son el final de nada, las crisis son picos o decadencias, pero no son el fin de nada. Una crisis, al contrario, debería ser una anagnórisis de tu época. El arte obviamente no tiene por qué acabarse, porque la inteligencia misma del ser humano está generando todo el tiempo ideas nuevas y todo el tiempo está inconforme con lo que tiene, entonces eso es lo que permite que el arte continúe”.

Agrega que hemos pasado por crisis mayores, incluso, hubo épocas donde no ha habido paz, enfermedades y pestes, la sociedad ha sobrevivido y el arte ha sido creado en los momentos más difíciles, “que exista un grupo que esté acaparando espacios, subastas, manipulando precios y generando tráfico de influencias dentro de las instituciones sin tener calidad, ello no significa remotamente que esas personas sean todo el arte y que toda la creación se resuma a ellos. Ahora hay gente muy valiosa que está produciendo a contra corriente”.

¿Hay mercado en México para el arte? “Muy poco, en general, el mercado de América Latina es un mercado terciario, el mercado del arte está en manos de los países ricos, está en manos de Estados Unidos y de ciertos países Europeos como Inglaterra, Francia, es todo. Apenas se está desarrollando en Oriente que es un mercado local hasta la fecha. La Feria de Hong Kong vende solo para gente de Hong Kong y artistas locales. En América Latina con Zona Maco es un mercado muy, muy marginal y ningún artista de arte contemporáneo alcanza los precios de Diego Rivera y Frida, los de Remedios Varo y Leonora Carrington”.

Termina la entrevista, el temple de Avelina Lésper sigue firme, detrás de sus lentes oscuros se esconde una mujer que domina el tema. Lleva puesta una camisa con la Mano de Hamasa y la Flor Mandala una figura geométrica utilizada para ejercitar la atención y la concentración como herramienta para la meditación: son símbolos de la yoga que le protegen. Se retira, se lleva consigo su fuerza física, mental y espiritual; disciplinas que ha conjugado por muchos años con el mundo de la crítica de arte.

(Fotos: Aldo Hinojosa)

¿Quién debe decidir el costo del arte público?

                                                       “Árbol Adentro” del artista plástico José Fors. 

Continúan las controversias sobre las adquisiciones de arte urbano que realizó el Ayuntamiento de Guadalajara, las críticas van enfocadas principalmente a los altos costos de las esculturas seleccionadas para conformar el proyecto.

Cada vez que se adquiere una colección de arte para la Ciudad con recursos públicos se suscitan controversias, tal fue el caso de la Colección Pueblo de Jalisco adquirida por la Secretaria de Cultura, quien invirtió seis millones 146 mil pesos; algunas piezas causaron revuelo por lo costoso de su adquisición, tal fue el caso del trabajo titulado “Das Kapital”, ladrillos y libro de Jorge Méndez Blake, con un costo de $650 mil pesos, que representa una barda de ladrillos.

Ahora el proyecto Arte Público es el que está dando de qué hablar. Este proyecto tiene el objetivo de embellecer la ciudad de Guadalajara y consolidar su identidad, cuenta con un presupuesto de 29 millones 30 mil pesos. Para esta compra de esculturas que serán colocadas en la Ciudad no se realizó ninguna licitación, además la selección se realizó sin un comité de críticos de arte, y las obras que se han dado a conocer han causado revuelo en las redes sociales, como “Árbol adentro”, del músico y artista plástico José Fors, adquirida en 4.5 millones de pesos.

Pluma de Pedro Escapa. 

La semana pasada se inauguró la escultura que asemeja una pluma de escribir, se encuentra ubicada en el cruce de Américas y Pablo Neruda, autoría de Pedro Escapa, que según el escultor es un homenaje a los periodistas caídos. La pieza costó 1.3 millones de pesos.

Aquí surge irremediablemente la pregunta ¿quién le pone precio al arte público? En el mercado del arte no hay reglas. El arte es el único mercado que tiene un estatus especial: un valor simbólico y un valor de mercado.

¿Qué valor simbólico justifica el precio? Sin duda, una Ciudad no puede concebirse sin arte público, que bien que se realicé la compra a los artistas locales que radican en la Ciudad, pero, ¿quién decide el costo del arte público?

El artista, el Ayuntamiento o un comité de críticos de arte, que realicen una selección de artistas por medio de una convocatoria abierta para quienes quieran participar, a fin de cuentas son recursos públicos los cuales se deben justificar.