sábado, 21 de enero de 2017

La Secretaría de Cultura, insensible ante la crisis económica

                                Titular de la Secretaría de Cultura: Myriam Vachez 
Continúan los despilfarros por parte de la Secretaría de Cultura, aquí el recuento de los daños. En 2015 fueron los despidos injustificados que realizó el director de la Orquesta Filarmónica de Jalisco Marco Parisotto, sustituyendo músicos mexicanos por extranjeros, que según los afectados eligió por medio de YouTube, el director de origen canadiense gana más que el gobernador, percibe 225 mil pesos mensuales, cantidad que la Secretaría justifica mencionando que Parisotto está por debajo del sueldo en comparación con los honorarios que perciben otros directores del País.
También ese año se suscitó el escándalo de las piezas adquiridas para la colección de arte “Pueblo de Jalisco”, en las que se invirtieron 6 millones 146 mil pesos. Adquiriendo obras como “Das Kapital”, que representa una barda de ladrillos realizada por Jorge Méndez Blake, quien se las vendió en 650 mil pesos; “Estrella de Mar”, de Jorge Martínez, la más costosa, 1 millón 624 mil pesos. Colección que se adquirió sin ningún criterio de selección y sin opinión de un crítico de arte.
Otro evento que prendió fuego en el mundo cultural fue el trabajo oportunista y necrofílico de Jill Magid, quien utilizó las cenizas del arquitecto Luis Barragán (1902-1988) para crear un anillo con diamante, apoyada por autoridades y familiares. A lo que la titular de la Secretaría de Cultura Myriam Vachez comentó que en lo personal se le hacía un acto muy poético, un proyecto que además de ser un problema estético atenta contra la ética.
Para este año, la Secretaría de Cultura apoyará el festival de música Lollapalooza, proveniente de los Estados Unidos, con 30 millones de pesos. Con el recorte del presupuesto federal a la cultura y el gasolinazo, esperemos que la Secretaría de Cultura tome conciencia de la crisis en la que estamos y actúe austeramente, ya que vale la pena mejor invertir en artistas locales para que el dinero se quede en casa.
A pesar de todo  ¡Feliz año nuevo!
Facebook: Ada Lorena

Figura insustituible de la cultura


En la alta política no es el puesto el que hace a la persona, sino la persona la que hace el puesto.  Es el caso de Rafael Tovar y de Teresa. Él literalmente creó su puesto. Por lo general, los funcionarios que laboran en las secretarías de Cultura confunden sus funciones de promoción de la cultura y las artes, con las relaciones públicas.  Encontramos señoras ricas que por no quedarse en su casa desempeñan papeles directivos despilfarrando los recursos en proyectos absurdos y costosos, así como promotores hiperactivos que confunden cantidad con calidad.
No es el caso del recién perecido Rafael Tovar y de Teresa cuya personalidad se diferenciaba del típico político mexicano que no lee y mucho menos se interesa por la cultura, que sólo la ve como lujo decorativo. Tovar y de Teresa tenía un gusto refinado, demostró su interés y conocimiento por el arte, la historia, los libros y las bellas artes. Durante su trayectoria se desempeñó como diplomático, abogado, escritor e historiador. En su último cargo, como Secretario de Cultura de México, lo encontró la muerte y dejó su proyecto sin terminar. 
Pocos conocen que durante su gestión como presidente del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) (1993), se formó el Sistema Nacional de Creadores de Arte, que otorga becas a los artistas. También fue propulsor del Centro Nacional de las Artes (Cenart). Es raro que un funcionario le guste la lectura y mucho menos que escriba.  Publicó los siguientes libros: “Modernización y política cultural”; “El Patrimonio Cultural de México”; “Paraíso es tu memoria”; “El último brindis de Don Porfirio, de la Paz al olvido”; y “Porfirio Díaz y el final del mundo”.
Durante la gestión del expresidente Felipe Calderón, el funcionario recién fallecido renunció a su cargo como coordinador de la Comisión para los Festejos del Bicentenario. Pasará a la historia como el fundador de varias instituciones en pro de la cultura. Su máxima obra es la creación de la Secretaría de Cultura federal ahora sin concluir. ¿Encontrará el presidente Peña Nieto a la persona idónea para sustituirlo?
Facebook: Ada Lorena Periodista

viernes, 30 de diciembre de 2016

La majestuosa Colección Frick



Ubicada sobre la Quinta Avenida en la Gran Manzana, oculta entre rascacielos, se encuentra la mansión Frick. Sus muros alojan magníficas obras de los grandes maestros europeos del Renacimiento.El palacete aún conserva intacto el ambiente que le dio su dueño y apasionado del arte, el magnate: Henry Clay Frick (1849-1919). 
Rodeado de cuadros a gran escala, el señor Frick contempló —durante el tiempo que vivió en la residencia— los deslumbrantes colores y rostros misteriosos de las modelos del maestro flamenco Vermeer;  los  oscuros y elegantes personajes de Sir Anthony Van Dyck y los inolvidables atardeceres de Turner, entre otras obras maestras. 

En la entrada principal, dos arcos griegos dan la bienvenida para entrar al jardín y sorprender con una fuente que da paso a los salones donde se encuentran las exhibiciones. La mansión que acoge en sus paredes obras maestras hoy en día funge como museo. Fue construida entre 1913 y 1914 por Thomas Hastings. Desde su construcción, su creador, el señor Frick, previó que a su muerte se convertirá en uno de los museos más importantes del mundo.

Adquirir todas sus obras le llevó 40 años. En dichas adquisiciones se observa un desarrollo y conocimiento del arte. Sus primeras piezas fueron imágenes de salón y obras de la Escuela de Barbizon (refiere entre 1830-1870 a un conjunto de pintores franceses reunidos en los alrededores del pueblo de Barbizon. Formaron parte del realismo pictórico tomando énfasis en la naturaleza y paisajes).  


La compilación incluye dibujos, esculturas, grabados, muebles, porcelanas, esmaltes y alfombras. El magnate Frick adquirió 131 pinturas; 48 obras se agregaron ya que fueron donadas o adquiridas por su hija Helen (1888-1984), quien con un espíritu fuerte e independiente fundó la biblioteca Frick que se encuentra a espaldas de la mansión en memoria de su padre.
La colección que poseyó el señor Frick no es una cuestión de gusto o un afán de lucir su poder ante los invitados, se dedicó a buscar y conservar las obras de los antiguos maestros lo que lo llevó a no ser solo un acumulador, sino a ser un especialista. Un crítico de arte.


Entre su grandiosa colección se encuentran:
Johannes Vermeer (1632-1675)
“Señora y doncella”
Año: 1666-67
Medida: 92x78.7cm
Óleo sobre lienzo
La falta de modelado al final de la cabeza de la señora indica que el trabajo quedó sin terminar. El señor Frick adquirió el cuadro el mismo año en que murió.
William Turner (1775-1851)
“El Puerto de Dieppe”
Año: 1826
Medida: 173.7x225.4 cm
Óleo sobre lienzo
La intensa luminosidad desagradó a muchos críticos contemporáneos, la cual llamaron “una esplendida obra de falsedad”. Otros reconocieron la obra como maestra y mencionaron: “ni siquiera Claude en sus más felices esfuerzos, ha superado la brillante composición ante nosotros”.
George Romney (1734-1802)
“Lady Hamilton como la ‘naturaleza’”
Año: 1782
Medidas: 75.9x62.9 cm
Óleo sobre lienzo
Conocida durante su época por ser la musa del pintor George Romney. Fue una dama inglesa esposa del embajador de Inglaterra en Nápoles y posteriormente amante de Lord Nelson. Estuvo en prisión un año antes de morir por sus deudas de juego, murió en la pobreza total.
Henry Clay Frick (1849-1919)
Fue un industrial y empresario del acero y carbón. Nació West Overton, Pensilvania,  Estados Unidos.  De joven comenzó a trabajar con su padre como administrador. Con sus ganancias fundó Frick & Co compañía dedicada a la producción de coque a partir del carbón.
En aquellos días estaba en auge la industria siderúrgica en Pittsburgh y el coque era un primordial ingrediente en la fabricación del acero. A sus 30 años se convirtió en millonario y su empresa comenzó con ventas internacionales. Fue un hombre controvertido y se le llegó a nombrar “El hombre más odiado de América” por su actitud con los trabajadores y por la inundación en Johnstown (1889) del Club de Caza y Pesca del Lago South Fork del cual era fundador. Nunca dio el mantenimiento adecuado por lo que el lago se desbordó arrasando con más de 2 mil vidas.
A saber:
- En 1935 la colección abrió al público.
- James McNeill Whistler es el único artista estadounidense que consideró en su magnífica colección.
- El repertorio incluye una sala exclusiva de rostros femeninos.
- La residencia tiene auditorio para presentaciones musicales.
- La recopilación también incluye esculturas, porcelanas y alfombras.
- El Greco, Reynolds, Titian, Van Dyck, Velázquez, Jan Van Eyck, Manet, Corot, Pieter Bruegel “el viejo” y Giovanni Bellini, son algunos de los autores de las pinturas del museo.
Dirección: 1 East 70 th Street, New York, Estados Unidos.

El Museo de las Artes se viste de Balenciaga


¿Por qué se exhiben vestidos en un museo como si fueran obras de arte? La industria de la moda está presente a diario, su esfera tiene que ver con el culto al cuerpo y el reino de la apariencia. En las últimas décadas se le ha considerado como una vertiente estética y ya no como una simple frivolidad. Hay quienes afirman que la moda es el arte de lo femenino.
Hace un par de semanas el Museo de las Artes (MUSA) inauguró la exposición del diseñador de moda, el español Cristóbal Balenciaga (1895-1972) conocido por sus sobrios diseños dando un toque elegante y sencillo. La exposición está conformada por dieciséis vestidos, bocetos, fotografías, pañuelos y un documental. Su trabajo se caracteriza por omitir el uso de las máquinas apostando por las costuras artesanales. Para Balenciaga la moda era un arte: “el modisto debe ser arquitecto para poder cortar, escultor para saber dar forma, pintor para escoger los colores, músico para encontrar las armonías y filósofo para crear estilo”.

¿Son artistas? Por lo general los modistas se conciben como artistas y por lo tanto proyectan la moda como arte, pero la moda no es arte, entra en el género del performance que incluye pasarelas, frivolidades y las chicas talla cero. Todo lo que tiene que ver con diseño de moda se instala en un museo para crear un sistema de sobrevaloración y crear la industria. Antes de exponerse en los museos se tiene que mencionar que no son obras de arte, sino que corresponden a otro estilo, lo que sí es que el MUSA se lleva un diez en el montaje de la exposición: luz, vitrinas, el documental, temperatura y la humedad. Entramos aquí a replantear cómo se tiene que concebir un museo y lo que se debe exponer.

La cámara humana


Hace algunos días visitó la Ciudad de México el artista londinense Stephen Wiltshire, conocido en todo el mundo por dar breves paseos en helicóptero, alrededor de veinte minutos, para después realizar dibujos panorámicos de memoria; ha inmortalizado en un lienzo Tokio, Nueva York, Roma, Londres, Hong Kong y Jerusalén.
Nació en Londres, Inglaterra (1974), sus padres eran inmigrantes procedentes de las islas Barbados y Santa Lucía. Cuando era niño no hablaba. Con tan sólo tres años fue diagnosticó autista. A los cinco comenzó su comunicación haciendo uso de trozos de papel. Sus primeras palabras las pronunció cuando cumplió nueve años: “papel” y “lápiz”.
El lienzo que Wiltshire donó, en presencia del jefe de Gobierno Miguel Ángel Mancera, a la CDMX simboliza la transición del Distrito Federal a Ciudad de México. Es un dibujo elaborado con gran detalle en él se observan pinceladas de cada edificio a escala. Todos los lugares conocidos se pueden encontrar, tales como El Ángel de la Independencia, El Monumento a la Revolución, El Palacio de Bellas Artes, La Catedral Metropolitana y la Torre Latinoamericana, entre otros. El proceso creativo lo realizó escuchando su música favorita en su iPod y utilizando un bolígrafo en combinación con su memoria fotográfica.
Algunos críticos de arte no consideran su trabajo debido a su autismo y el síndrome de savant, una lesión en el hemisferio izquierdo lo que hace que las funciones del hemisferio derecho desarrollen capacidades increíbles; en su caso memorizar imágenes a detalle. El Autismo y síndrome que padece no ha sido ningún impedimento para demostrar su extraordinario talento y pasión por las ciudades en caos, inmortalizando paisajes arquitectónicos y urbanísticos.
Facebook: Ada Lorena Periodista

martes, 4 de octubre de 2016

Andrea Mantegna: El ojo de ensueño


Desnudos en el barandal juegan los putti, conocidos en el mundo del arte como querubines, esperan con ansias conocer a sus visitantes. Por desgracia, un par de ellos llora, pues sus pequeñas cabezas se atoraron en los huecos de la barandilla. No están solos, se acompañan por mujeres con peinados de la época y una mirada curiosa. Una de ellas saca un peine haciendo mención de que se está arreglando para impresionar a quien levante su mirada para apreciar su belleza. Es la obra del pintor Andrea Mantegna (1431-1506), conocida como El óculo. 

En aquella época, artistas y arquitectos, comenzaron a explotar el potencial de la perspectiva ilusionista para crear extraordinarias obras en las iglesias. Familias de la clase alta comenzaron a comisionar artistas para producir decoraciones de escala similar a la de los templos en sus residencias o mansiones. Matengna, conocido por su gran trabajo en frescos, entró al servicio como pintor de la corte del Duke Ludovico II Gonzaga de Mantua, para pintar esa obra que ha perdurado por siglos en el cuarto conocido como “La cámara de los esposos”, dentro del Palacio Ducal de Muntua, Italia.



Esta habitación era un atrio típico de una residencia Romana. Según algunos historiadores el tema de los frescos es la celebración política de la elección de uno de sus hijos a cardenal. En todas las pinturas aparece retratada la noble familia Gonzaga, que gobernó la ciudad y el Estado de 1328-1708.

La bóveda imita un espacio abierto con columnas, cortinas, flores y frutas. En este óculo Mangtena demuestra su perfecto dominio de la perspectiva. Desde cualquier ángulo que se vigile el visitante se sentirá observado. Alrededor del óculo resalta la decoración en ajedrez muy apreciada por los artistas renacentistas; un trabajo complicado por la proyección geométrica.
A este pintor italiano le gustaba jugar con humor. En las nubes del centro, si se mira con detenimiento, se encuentra una cara: es la del artista. En la obra, Mantegna, tenía presente al colosal Atlas de la mitología griega en donde el óculo —adornado con un ave, cupidos y mujeres— abre una pequeña puerta al universo.

A SABER:

ANDREA MANTEGNA
Fue un pintor del Quattocento italiano. Nació en Isola di Carturo un burgo en las cercanías de Padua, en la época pertenecía al condado de Vicenza. Fue pintor y grabador. Entre sus obras destacan “Los triunfos del César” y “Tránsito de la virgen”.
OBRA:
Año: 1471-1474
Estilo: Renacimiento Italiano
Museo: Palacio Ducal de Muntua, Italia
Material: fresco
Medida: 270 cm de diámetro

PALACIO DUCAL DE MANTUA (PALAZZO DUCALE)
Más que un palacio asemeja una ciudad el complejo arquitectónico está constituido por numerosos edificios unidos por corredores, galerías, patios y hermosos jardines. Fue la sede ciudadana de los Gonzaga. Se encuentra en la plaza Sardello, Italia.

LOS PUTTI:
Son figuras de niños ornamentales utilizadas en el Renacimiento y Barraco en forma de cupido, querubín o amorcillo. En italiano, la voz "putto" significa "niño".

Las repeticiones en el arte


                                                                                 Rosa Fest

En los últimos años se han realizado diversas exposiciones con esculturas seriales elaboradas en fibra de vidrio: vacas, puerquitos, calaveras, patinetas, maniquís rosas, cabezas mayas, entre otras figuras. ¿De dónde proviene esta idea? ¿Cuál es el beneficio para el artista? La dinámica ocurre de la siguiente manera. El organizador entrega la misma escultura a todos los artistas que invita a participar en su mayoría creadores locales, luego son distribuidas por la ciudad en lugares públicos como estaciones del tren, avenidas o parques.

Mayan Parade

Esta cadena en serie comenzó en la Ciudad de Nueva York con el CowParede. Un día de repente en las avenidas y parques de la gran manzana aparecieron vacas de tamaño natural pintadas. La exhibición fue mostrada alrededor del mundo. Aquí no podíamos quedarnos atrás, a partir de esta muestra pública se comenzó a imitar llevando a cabo dinámicas similares tales como: Rosa Fest, Tocinarte y Mayan Parede el cual propuso traer un renacimiento ancestral de lo prehispánico y prometió exponer las piezas en 200 ciudades del mundo.

Este tipo de exhibiciones tienen sus referentes en el trabajo del Estadounidense Andy Warhol, sus repeticiones pusieron en juego la destrucción del arte. En el mundo warholiano lo más importante es que los trabajos nunca queden terminados y poner énfasis en simples objetos de uso cotidiano. En este caso las figuras repetitivas le quitan la creatividad al artista llevando a cabo un trabajo mecanizado.

Las vacas en Guadalajara 

En muchas ocasiones los organizadores de estos eventos venden las piezas y el artista no obtiene remuneración alguna y las obras que se encuentran sobre avenidas o jardines están sin mantenimiento. Además, les prometen que se hará difusión de la escultura. Su nombre se pierde entre las repeticiones.  Los artistas se pierden a la hora de valorar la calidad en su quehacer;  la creación es individual y no regida por una figura seriada.

Facebook: Ada Lorena Periodista